1

Petikan daripada Panduan ringkas ke Menulis mengenai Art, Sylvan Barnet, edisi ke-6

Bab Dua: Analisis

Pemikiran Analytic: Melihat dan Berkata

Analisis adalah, secara literal, yang memisahkan kepada bahagian-bahagian untuk

memahami keseluruhan. Apabila anda menganalisis, anda sedang mencari untuk

mengambil kira pengalaman anda bagi kerja tersebut (Analisis itu termasuk sintesis,

gabungan bahagian-bahagian ke dalam keseluruhan.) Anda mungkin, sebagai contoh,

menganalisis patung marmar Michelangelo Daud (Rajah 1.) Dengan

mempertimbangkan:

• Sumber Its (dalam Alkitab, dalam ukiran Hellenistik, di Donatello gangsa Daud dan

dalam idea-idea politik dan sosial zaman - contohnya, David sebagai wira sivik, musuh

kezaliman, dan Daud sebagai penjelmaan ketabahan)

• Bahan dan batasan bahan yang (marmar meminjamkan sendiri kepada postur tertentu

tetapi tidak kepada orang lain, dan marmar mempunyai kesan - dalam tekstur dan

warna - yang granit atau gangsa atau kayu tidak mempunyai)

• pose Its (yang memberikan garis kasar, yang ramai, dan ruang yang tertutup atau

kekurangan mereka)

• ekspresi wajah Its

• bogel Its (a Adam bogel mudah difahami, tetapi mengapa David bogel?)

• Saiznya (di sini, dalam ini angka lebih-saiz hidup, manusia sebagai wira)

• konteks Its terutama tapaknya pada abad keenam belas (hari ini ia berdiri di rotunda

Akademi Seni Halus, tetapi pada 1504 ia berdiri di pintu masuk ke Palazzo Vecchio -

dewan bandar - di mana ia terkandung prinsip warga-pahlawan dan menandakan

kemenangan republik atas kezaliman)

dan apa-apa sahaja yang anda fikir ukiran itu terdiri daripada - atau tidak terdiri

daripada, untuk Michelangelo, tidak seperti pendahulunya Donatello, tidak termasuk

kepala Goliat orang yang mati terbunuh, dan dengan itu imej Michelangelo tidak jelas

bahawa seorang wira menakluk. Atau anda mungkin membataskan perhatian anda

kepada mana-mana salah satu daripada unsur-unsur.

Analisis bukan satu proses yang digunakan hanya dalam bercakap mengenai seni. Ia

biasanya digunakan dalam memikirkan hampir apa-apa perkara yang kompleks.

Martina Hingis memainkan permainan maut tenis. Apa yang membuatkan ia begitu

baik? Bagaimanakah kilas dia menyumbang? Apa yang dia lakukan untuk berkhidmat

lawan dia? Kaitan soalan-soalan itu adalah jelas. Begitu juga, ia masuk akal, apabila

anda menulis tentang seni, cuba untuk melihat komponen kerja.

Berikut adalah analisis yang singkat satu aspek yang Michelangelo melukis Penciptaan

Adam (1508-1512) pada siling Gereja Kecil Sistine (Gamb. 2). Tesis penulis, atau titik

yang mendasari analisis beliau, adalah, pertama, bahawa garis-garis corak yang

mengatakan sesuatu, berkomunikasi sesuatu kepada penonton, dan, kedua, bahawa

penonton tidak hanya melihat corak tetapi juga mengalami ia, mengambil bahagian di

dalamnya (Gamb. 3).

"Cerita" Penciptaan Michelangelo Adam, pada siling Gereja Kecil Sistine di Rom,

difahami oleh setiap pembaca kitab Kejadian. Tetapi cerita itu diubah suai dengan cara

yang menjadikan ia lebih mudah difahami dan menarik mata. Pencipta, bukan bernafas

makhluk yang hidup ke dalam tubuh tanah liat - motif yang tidak mudah diterjemahkan

ke dalam corak yang ekspresif - menjangkau ke arah lengan Adam seolah-olah

percikan animasi, melompat dari hujung jari ke hujung jari, telah dihantar dari pembuat

kepada makhluk. Yang

2

jambatan lengan visual menghubungkan dua dunia yang berasingan: kompak serba

lengkap mantel yang memagari Allah dan diberikan gerakan ke hadapan dengan

pepenjuru tubuhnya; dan tidak lengkap, keping rata di bumi, yang pasif dinyatakan

dalam condong ke belakang kontur itu. Terdapat pasif juga keluk cekung di mana jasad

Adam dibentuk. Ia berbaring di atas tanah dan membolehkan sebahagiannya

meningkat dengan kuasa menarik pencipta menghampiri. Keinginan dan keupayaan

potensi untuk bangun dan berjalan ditunjukkan sebagai tema rendah dalam kaki kiri,

yang juga berfungsi sebagai sokongan lengan Adam, tidak dapat mengekalkan dirinya

bebas seperti lengan tenaga dikenakan Allah.

Analisis kami menunjukkan bahawa tema utama imej, idea penciptaan, yang

disampaikan oleh apa yang menyerang mata pertama dan terus menganjurkan

komposisi seperti yang kita meneliti butirannya. Rangka struktur mendedahkan tema

dinamik cerita. Dan kerana corak dihantar, hidup memberi tenaga tidak hanya dicatat

oleh rasa penglihatan tetapi mungkin menimbulkan dalam fikiran konfigurasi yang sama

kuasa-kuasa, tindak balas pemerhati adalah lebih daripada pengambilan perhatian

semata-mata objek luar. Kuasa-kuasa yang mencirikan makna cerita datang hidup

dalam pemerhati dan menghasilkan jenis kacau penyertaan yang membezakan

pengalaman seni dari penerimaan berkembar maklumat.

Rudolf Arnheim, Kesenian dan Persepsi Visual (1974), 458-60

Perhatikan bahawa Arnheim tidak membincangkan warna, atau latar belakang

Renaissance, atau tempat kerja di dalam laman web atau dalam pembangunan

Michelangelo, walaupun mana-mana atau semua ini adalah topik yang patut juga. Dia

telah memilih untuk menganalisis kesan hanya satu elemen, tetapi perenggan beliau

adalah analisis, sebuah usaha untuk merakamkan persepsi dan untuk menunjukkan

kepada mereka.

Perkara Pokok dan Kandungan

Sebelum kita pergi untuk menganalisis beberapa cara di mana seni berkomunikasi, kita

boleh mengambil sedikit masa untuk membezakan antara hal perkara sesuatu karya

dan kandungan atau makna.

Kajian mengenai imej seni dan pemikiran budaya dan sikap yang mereka

mencerminkan dipanggil iconology. Dua gambar perkara yang sama - sebagai contoh,

Penyaliban - boleh meluahkan makna yang berbeza: Satu gambar boleh menunjukkan

kematian yang menyakitkan Kristus (kepala melabuh kepada satu pihak, mata tertutup,

kening dan mulut berkerut, tangan ditarik ke dalam V oleh berat badan, badan dipintal

menjadi satu bentuk S); yang lain boleh menunjukkan penaklukan Kristus kematian

(mata terbuka, muka terdiri, lengan mendatar, badan yang agak lurus dan pd diri

sendiri). Hal perkara dalam kedua-dua adalah sama - Penyaliban - tetapi makna atau

kandungan (kematian yang menyakitkan dalam satu gambar, penaklukan maut di lain-

lain) adalah sama sekali berbeza. (Imej Kristus Triumphant adalah perkara biasa dalam

abad ketiga belas kedua belas dan awal; Mesias Penderitaan, menekankan aspek

manusia Yesus, telah biasa di ketiga belas kemudian dan abad-abad keempat belas.)

Untuk beralih kepada genre lain, jika kita melihat beberapa landskap abad kesembilan

belas kami melihatnya (dibantu oleh Alam Barbara Novak dan Kebudayaan: American

Landskap dan lukisan, 1825-1875) yang hal perkara bagi langit-seli dengan merah dan

kuning merangkumi kandungan yang yang boleh digambarkan, sekurang-kurangnya

kasar, kerana kehebatan Allah. Mungkin Paul Klee cuba untuk mengubah perhatian kita

dari perkara ke kandungan apabila beliau berkata, "Seni tidak mengeluarkan semula

yang boleh dilihat, sebaliknya, ia kelihatan," atau (dalam terjemahan yang agak lebih

bebas), "Seni tidak mengeluarkan semula apa yang kita lihat sebaliknya, ia

membuatkan kita lihat ".

3

Kandungan, seseorang mungkin mengatakan, menjadi hal perkara berubah atau dicipta

semula atau diselitkan oleh akal dan perasaan dengan makna - pendek kata,

kandungan adalah makna yang dibuat kelihatan. Inilah yang Henri Matisse telah

mendapat sekurang apabila dia berkata bahawa lukisan adalah "tidak satu latihan

ketangkasan tertentu tetapi di atas semua satu cara untuk menyatakan perasaan intim

dan perasaan."

Walaupun abstrak dan nonobjective karya-karya seni mungkin memperlihatkan

pengalaman dalaman artis dan dengan itu mempunyai subjek suatu perkara yang

memberikan makna. Pertimbangkan fakta Picasso:

Tidak ada seni abstrak. Anda mesti sentiasa bermula dengan sesuatu. Selepas itu anda

boleh membuang semua kesan realiti. Tidak ada bahaya kemudian, bagaimanapun,

kerana idea objek akan meninggalkan kesan mendalam. Ia adalah apa yang bermula

artis luar, teruja idea-idea, dan menimbulkan emosi. Idea dan emosi akan pada

akhirnya menjadi banduan dalam pekerjaannya.

Picasso pada Seni, ed. Dore Ashton (1972), 64

Ini seolah-olah benar-benar boleh diterima. Mungkin kurang diterima pada mulanya,

tetapi pastinya bernilai memikirkan, adalah kenyataan Wassily Kandinsky seperti ".

Kesan segi tiga akut pada sfera menjana kesan sebanyak emosi sebagai mesyuarat

Allah dan Adam dalam bentuk kejadian Michelangelo" Dalam keterlaluan ini Kandinsky

menyentuh kebenaran bahawa lukisan yang menyampaikan lebih daripada objek yang

ia mewakili. Namun, jangan kita pergi terlalu jauh dalam mencari yang kandungan

dalam atau di belakang atau di bawah hal perkara, kita harus ingat cerita. Dalam tahun

1920-an penyair Paul Eluard itu fasih bercakap dengan Joan Miro tentang apa Eluard

mengambil untuk menjadi simbol solar di salah satu lukisan Miro kanak. Selepas selang

baik Miro menjawab, "Itu bukan satu simbol solar. Ia adalah kentang."

Bentuk dan kandungan

Maksud atau kandungan sesuatu karya seni tidak bertentangan dengan bentuk.

Sebaliknya, bentuk - termasuk perkara-perkara seperti saiz kerja, jenis strok berus

dalam lukisan, dan tekstur permukaan patung - adalah sebahagian daripada makna.

Sebagai contoh, gambar dengan, berombak, garis sudut pendek akan "berkata"

sesuatu yang berbeza daripada gambar dengan keluk lembut, walaupun perkara itu

(katakan seorang wanita duduk di meja) adalah lebih kurang sama. Apabila Klee

bercakap mengenai "akan berjalan-jalan dengan garis," katanya dalam fikiran

keupayaan line (boleh dikatakan) untuk bergerak dengan cepat atau perlahan-lahan,

tegas atau buat sementara waktu. Sudah tentu banyak perkataan yang kita gunakan

dalam bercakap tentang garis - atau bentuk atau warna - adalah metafora. Jika,

sebagai contoh, kita mengatakan bahawa garis adalah "gelisah" atau "saraf" atau

"sementara" atau "berani" kami tidak membayangkan bahawa garis adalah benar-benar

hidup dan dikurniakan dengan perasaan. Kami benar-benar bercakap tentang cara di

mana kita melihat garisan, atau, lebih tepat lagi, kita yang menyatakan kesimpulan kami

tentang apa yang artis yang dicadangkan itu atau sebenarnya dihasilkan, tetapi

bercakap itu adalah sepenuhnya yang sah.

Adakah garis lukisan tebal atau nipis, rosak atau terputus? A pensel lembut lukisan

pada kertas kelabu pucat akan berkata sesuatu yang berbeza daripada lukisan pen

dibuat dengan buluh nib agak sengit di atas kertas putih terang; sekurang-kurangnya,

sederhana dan berbeza senario kelembapan yang lebih senyap berbanding dengan

yang lain. Begitu juga, lukisan dengan permukaan kasar dibina dengan strok berus

lasak atau gelisah tidak akan berkata perkara yang sama - dan tidak akan mempunyai

makna yang sama - sebagai lukisan dengan, permukaan yang licin berkilat yang

memberikan tiada bukti berus. Jika apa-apa lagi, lukisan yang memberikan bukti strok

berus mengumumkan kehadiran pelukis, sedangkan permukaan berkilat seolah-olah

menghapuskan pelukis dari lukisan itu.

4

Untuk contoh yang jelas, membandingkan karya oleh pelukis Tindakan tahun 1940-an

dan 1950-an seperti Jackson Pollock (tanda pada kanvas hampir mari kita lihat pelukis

dalam perbuatan memberus atau menggelecek atau terpercik pigmen) dengan kerja

oleh artis Pop seperti Andy Warhol atau Robert Indiana. Manakala Pollock dilaksanakan

nampaknya percuma, spontan, diri ekspresif, gambar nonfigurative, artis Pop

cenderung untuk memihak kepada imej biasa (contohnya, tin Warhol ini Campbell sup)

dan media bersifat peribadi seperti serigraph itu. Kerja-kerja mereka menyeru kepada

fikiran tidak artis individu tetapi seni komersil tanpa nama dan mesin, dan ini komersial,

persatuan mekanikal adalah sebahagian daripada pengertian kerja-kerja. Kerja-kerja itu

meluahkan apa kata Warhol pada tahun 1968: ". Sebab saya lukisan cara ini adalah

kerana saya ingin menjadi mesin"

Pendek kata, untuk mendapatkan sekurang-kandungan atau makna sesuatu karya kita

perlu mentafsir perkara, bahan dan bentuk (saiz, bentuk, tekstur, warna, dan

sebagainya), kandungan sosio-sejarah, dan (jika diketahui ) mungkin niat artis. Kita juga

perlu mengakui bahawa konteks sosio-sejarah kita sendiri - termasuk jantina kita, latar

belakang ekonomi, keyakinan politik, dan sebagainya - akan ke tahap yang tertentu

menentukan makna yang kita lihat dalam karya. Nelson Goodman mengatakan bahawa

kerana mata yang merasa ini "dikawal oleh keperluan dan prejudis" mata "tidak begitu

banyak cermin sebagai mengambil dan selesa." Dan dalam perbincangan kita tentang

dakwaan Paul Taylor bahawa kerja-kerja seni tidak mempunyai makna, kami

menghadapi versi melampau kedudukan ini, dakwaan bahawa semua tafsiran - semua

perbincangan kandungan - adalah salah tafsiran. Satu juga mendengar bahawa ada

standard (contohnya, akal, atau niat artis) boleh membimbing kita dalam menilai tafsiran

yang berbeza.

Mendapatkan Idea: Bertanya Soalan untuk Dapatkan Jawapan

Pelukis Ad Reinhardt pernah berkata bahawa "Looking tidak semudah ia kelihatan."

Tidak sehingga satu telah belajar untuk melihat seni seseorang boleh mempunyai idea-

idea yang berguna yang satu mula ditetapkan secara bertulis. Sebagai Robert Frost

berkata (dengan beberapa lebihan), "Semua yang ada untuk bertulis adalah

mempunyai idea." Apa adalah beberapa perkara-perkara asas yang perlu dicari dalam

cuba untuk memperoleh pemahaman tentang bahasa seni - iaitu, dalam usaha untuk

memahami apa karya seni meluahkan?

Soalan-soalan asas

Satu boleh memulakan perbincangan tentang perniagaan yang kompleks ungkapan

dalam seni hampir di mana sahaja, tetapi mari kita mulakan dengan beberapa soalan

yang boleh ditanya hampir mana-mana karya seni - sama ada lukisan atau lukisan atau

patung atau bangunan.

Bagaimana sambutan pertama saya ke kerja? Senda gurau Awe? Kebingungan?

Kepentingan erotik? Kegusaran? Kejutan? Kebosanan? Kemudian anda boleh

mengubah suai atau menolak sambutan ini, tetapi bermula dengan mencuba untuk

mempelajarinya. Mencatat jawapan anda - walaupun persatuan lapang anda. Dan

mengapa anda mempunyai tindak balas ini? Perbuatan memo balas, dan perakaunan

untuk itu analitikal, boleh membantu anda untuk mendalami respons, atau untuk

bergerak di luar kepada tindak balas yang berbeza.

Bila dan di mana telah kerja yang dibuat? Oleh siapa, dan untuk siapa? Adakah ia

mendedahkan kualiti atau nilai-nilai yang buku teks anda ciri-ciri budaya? (Jangan

menganggap bahawa ia; karya-karya seni mempunyai cara untuk mengelakkan diri

generalisasi yang mudah).

Apakah borang yang menyumbang? Mengambil kira (a) bahan (misalnya, marmar

berkilat vs kayu unpainted, atau cat air telus vs cat minyak legap); (b) saiz (a

5

imej yang lebih besar daripada yang hidup akan memberi kesan yang berbeza dari kecil

a); (c) warna (realistik, atau simbolik?); (d) komposisi (seimbang, atau tidak simetri?

sangat corak atau tidak?).

Di mana akan kerja yang pada asalnya telah dilihat? Mungkin dalam gereja atau istana,

atau sebuah rumah borjuasi, atau (jika kerja adalah topeng Afrika) yang dipakai oleh

penari costumed, tetapi pasti tidak dalam buku teks dan tidak (melainkan jika ia adalah

karya kontemporari) dalam muzium. Untuk Picasso, "Gambaran-hook adalah

kehancuran lukisan .... Sebaik sahaja [lukisan a] dibeli dan digantung di dinding, ia

mengambil masa agak kepentingan yang berbeza, dan lukisan itu dilakukan untuk." Jika

kerja yang kini sebahagian daripada pameran di muzium, bagaimana persembahan

muzium kerja yang memberi kesan kepada tindak balas anda?

Apa tujuan melakukan kerja-kerja yang berkhidmat? Untuk merangsang kesetiaan?

Untuk menarik perhatian penonton dengan kuasa pemilik? Untuk meningkatkan

kebanggaan keluarga? Untuk mengajar? Untuk menggembirakan? Adakah kerja yang

hadir rupa, atau meluahkan perasaan, atau menggambarkan misteri?

Dalam apa keadaan telah kerja yang terselamat? Adakah ia betul-betul kerana ia telah

meninggalkan tangan artis, atau ia telah rosak, dibaiki, atau dalam beberapa cara

diubah? Apakah bukti perubahan boleh dilihat?

Apakah tajuk? Adakah ia membantu untuk menerangi kerja? Kadang-kadang ia adalah

berguna untuk bertanya kepada diri sendiri, "Apa yang akan saya panggil kerja?"

Picasso memanggil salah seorang dari awal diri potret beliau Yo Picasso (iaitu, "Saya

Picasso"), daripada, katakan, Potret Artist, dan sesungguhnya gelarannya berjalan

lancar dengan keyakinan diri yang digambarkan. Charles Demuth dipanggil gambarnya

daripada lif bijirin di kampung halamannya di Lancaster, Pennsylvania, Mesir saya, tajuk

yang baik membangkitkan kedua-dua kehebatan objek (aci silo dan topi mereka

menyerupai kuil Mesir) dan rasa ironi (Demuth , rindu untuk berada di New York atau

Paris, adalah "dalam buangan" di Lancaster).

Nota, bagaimanapun, bahawa banyak gelaran tidak diberikan kepada karya oleh artis,

dan beberapa tajuk yang positif mengelirukan. Rembrandt Night Watch diberi nama

yang pada akhir abad kelapan belas, apabila lukisan itu telah menjadi gelap; ia adalah

benar-benar tempat kejadian siang hari. Dan kami telah perasan bahawa tindak balas

seseorang kepada lukisan Rembrandt mungkin berbeza, bergantung kepada sama ada

ia bertajuk potret diri sendiri dengan Saskia atau The Prodigal Son.

Apabila anda tanya diri anda soalan-soalan asas itu, jawapan (sekurang-kurangnya

jawapan tentatif) akan datang ke fikiran. Dalam bahasa teori kritikal hari ini, dengan

cara "diarahkan mencari" anda akan dapat "decode" (iaitu, memahami) "kenyataan

dengar." Pendek kata, anda akan mempunyai beberapa idea-idea, material yang anda

akan menggunakan dan akan membentuk apabila anda dipanggil untuk menulis.

Berikut adalah soalan-soalan tambahan untuk bertanya, pertama pada lukisan dan

lukisan, maka pada ukiran, seni bina, fotografi, dan seni video.

Lukisan dan Lukisan

Apakah perkara subjek? Siapa atau apa yang kita boleh mengenal pasti dalam

gambar? Apa (jika apa-apa) yang sedang berlaku?

Jika gambar yang adalah lukisan angka, apa yang hubungan penonton (dan artis ini)

pandangan kepada pandangan angka (s)? Lagipun, penonton - pembawa

pandangannya - sedang pada "Lain-lain". Adakah ini lain kembali pandangan penonton,

dengan itu menegaskan beliau identiti dan kuasa, atau adakah subjek yang mencari di

tempat lain, tidak menyedari voyeur penonton-pelukis? Ia telah berhujah, misalnya,

bahawa dalam gambar-gambar keluarga dan kawan-kawannya, Degas memberikan

rakyatnya renungan tahap, berkesan meletakkan mereka pada tahap sosial yang sama

seperti penonton; dalam gambar beliau bekerja wanita (laundresses, penari), beliau

menerima pakai pandangan yang tinggi, secara literal melihat ke bawah pada mata

pelajaran yang tidak sedar beliau; dalam gambar-gambar pelacur, dia kelihatan sama

ada dari bawah atau dari atas, menatap sebagai mata-mata atau voyeur mungkin

lakukan, dengan mangsa-mangsa yang tidak curiga dan oleh itu terdedah.

6

Prihatin dengan "pandangan", dan idea itu (dalam seni) lelaki melihat secara aktif

manakala wanita to-be-melihat-at, telah mungkin pertama yang ditetapkan oleh Laura

Mulvey di "Pleasure Visual dan Pawagam Narrative," dalam skrin jurnal 16: 3 (1975): 6-

18, dicetak semula dalam buku beliau Pleasures Visual dan Lain-lain (Bloomington:

Universiti Indiana Press, 1989). Dalam Wanita Mary Cassatt dalam hitam di Opera (c

1878;. Juga dikenali Pada Francais, satu lakaran, digambarkan di sampul buku ini),

bagaimanapun, tidak begitu mudah dikotomi a. Benar, wanita itu di latar depan sedang

melihat oleh seorang lelaki di sebelah kiri atas, tetapi wanita itu sendiri sangat aktif

mencari, dan dia adalah seorang mendominasi angka jauh lebih (profil teruk, pakaian

gelap, saiz besar, bentuk sudut) daripada orang yang kecil dan agak comically terkapar

yang melihat dia (dan yang berkuat kuasa pada kami). Kedua-dua tokoh sedang

mencari, tetapi orang yang sedang melihat gambar - satu lagi, penonton - pasti melihat

kuasa sebagai terletak dalam wanita dan bukan dalam lelaki itu.

Jika lebih daripada satu angka yang ditunjukkan, apakah hubungan angka satu sama

lain?

Jika terdapat hanya satu angka, adakah ia berkaitan kepada penonton, mungkin

dengan pandangannya atau dengan isyarat yang? Jika angka itu seolah-olah

ditimbulkan, adakah anda bersetuju dengan orang-orang ahli teori yang mengatakan

bergambar yang merupakan subordinasi diri kepada pandangan orang lain, dan

persembahan diri (mungkin provokatif atau membuat malu) kepada penonton?

Baudelaire berkata potret adalah "model rumit oleh seorang artis." Idea lama adalah

bahawa potret yang baik mendedahkan bukan sahaja muka tetapi juga watak dalaman

rajah. Muka dikatakan indeks minda; dengan itu, misalnya, potret tepat King X

menunjukkan kekejamannya (ia telah ditulis di seluruh mukanya), dan potret tepat Paus

Y dan Lady Z menunjukkan, masing-masing, ketakwaan paus (atau keduniaan) dan

kelembutan wanita itu ( atau keangkuhan). Ia biasanya ternyata, bagaimanapun,

bahawa sejarah seni yang melihat sifat-sifat itu dalam potret tertentu sudah tahu apa

ciri-ciri yang diharapkan. Apabila potret itu adalah suatu pengasuh yang tidak dikenali,

ulasan-ulasan terlalu banyak.

Ia kini secara meluas dipercayai bahawa potret yang bukan semata-mata perwakilan

wajah yang mendedahkan watak dalam; potret yang juga merupakan persembahan

atau pembinaan yang dicipta oleh artis dan penjaga, katanya. Golongan atas dan artis

kedua-dua (boleh dikatakan) menawarkan tafsiran.

Bagaimanakah tafsiran mereka disampaikan? Pertimbangkan perkara-perkara seperti

berikut:

• Berapa banyak angka itu persembahan artis, dan berapa banyak ruang yang ada tidak

artis menyebabkan angka itu untuk menduduki? Apakah kesan oleh itu mendapat?

• Apa yang pakaian, perabot, aksesori (pedang, anjing, jam, dan sebagainya), latar

belakang, sudut kepala atau postur kepala dan badan dan ekspresi wajah menyumbang

kepada perasaan kita personaliti angka ini (sengit, sejuk , menjemput)? Adakah

pengasuh yang digambarkan dalam suasana studio atau di persekitaran mereka

sendiri?

• Adakah gambar mengiklankan kepentingan politik pengasuhnya, atau adakah ia

mengiklankan keunggulan peribadi pengasuhnya? Cara yang berkaitan pemikiran

adalah ini: Adakah imej membentangkan semangat kelas sosial (seperti biasa dalam

potret oleh Frans Hals) atau semangat hidup dalam tak bebas (seperti biasa dalam

potret oleh Rembrandt)?

• Jika frontal, adakah angka itu seolah-olah menghadapi kita dengan cara yang tahyul,

seolah-olah memerhatikan segala-galanya sebelum ia? Jika tiga suku, adakah ia

mencadangkan usul, seorang tokoh yang terlibat dalam dunia sosial? Jika profil, ialah

penekanan hiasan atau psikologi? (Secara umumnya, hadapan atau, terutamanya,

pemandangan tiga suku meminjamkan sendiri kepada rendering personaliti yang

dinamik, mungkin juga berinteraksi dalam konteks sosial bayangkan, manakala profil

yang tidak - atau jika profil tidak mendedahkan personaliti yang ia adalah sebagai

menyendiri, hampir unnaturally diri dirasuk sitter.)

7

• Jika gambar adalah potret dua, adakah artis mendedahkan apa yang ia adalah

bahawa hubungan kedua-dua angka bersama-sama? Adakah angka melihat satu sama

lain? Jika tidak, apa yang tersirat oleh kekurangan hubungan mata?

• Adakah angka (atau angka) kiasan (bertukar menjadi perwakilan, berkata, kebebasan

atau kecantikan atau keamanan atau perang)? Memandangkan hakikat bahawa

golongan atas perempuan yang lebih kerap allegorized daripada lelaki, adakah anda

mengambil perwakilan kiasan diberikan perempuan untuk menjadi satu tindakan

pengasingan - lelaki memaksa seorang wanita ke dalam peranan "Lain-lain"?

• Jika gambar adalah potret diri, apa imej melakukan projek artis? Potret sendiri Van

Gogh di mana dia memakai topi dirasai dan jaket menunjukkan kepadanya sebagai

seorang budiman borjuasi, sedangkan orang-orang di mana dia memakai topi jerami

dan blaus petani atau baju kerja menunjukkan kepadanya sebagai artis negara ini.

• Ia kadang-kadang berkata setiap potret adalah potret diri. (Dalam formula Leonardo,

"pelukis sentiasa cat dirinya sendiri." Dalam kata-kata Dora Maar, perempuan simpanan

Picasso pada tahun 1930 dan 1940x, "Semua potret beliau menghina saya adalah

dusta. Mereka semua Picassos. Tidak satu Dora Maar." ) Adakah potret ini seolah-olah

mendedahkan artis dalam beberapa cara?

• Sesetengah pandangan dekat melampau muka, seperti yang terdapat di kontemporari

pelukis gambar-realis Chuck Close, memberikan penonton seperti yang banyak detail-

bulu, liang-liang, retak di bibir-bahawa mereka mungkin dipanggil landskap muka.

Adakah mereka juga menyampaikan wahyu watak atau apa-apa jenis hubungan sosial,

atau adakah beban ini perincian menghalang penonton daripada membentuk tafsiran?

• Adakah potret, sebenarnya, mendedahkan apa-apa pun? Melihat John Singer Sargent

ini potret berhak Jeneral Sir Ian Hamilton, pengkritik Roger Fry itu berkata, "Saya tidak

dapat melihat lelaki itu untuk sifat yang." Sargent berkata bahawa dia melihat haiwan

dalam setiap sitter.

Sekarang mari kita mempertimbangkan kehidupan yang masih (majmuk: masih

nyaman, tidak masih hidup) - gambaran objek tidak bernyawa dalam suasana yang

terhad, seperti permukaan meja a.

• Apakah Ketua faedah? Adakah ia sebahagian besarnya dalam hubungan antara

bentuk dan tekstur objek? Atau adakah ia dalam cadangan simbolik kemewahan

(lukisan abad ketujuh belas Belanda, menunjukkan alas meja yang kaya di mana

adalah perkakas mewah makan dan makanan yang mahal) atau, di sisi lain, adalah

kepentingan dalam rumah tangga yang rendah hati dan faedah kesederhanaan

( lukisan Sepanyol abad ketujuh belas, menunjukkan sebuah meja kayu yang mudah

pada yang tempayan)?

• Adakah ia bermakna fana, mungkin dengan lilin dibakar keluar, atau bahkan hanya

dengan sifat yang mudah rosak objek (makanan, bunga) yang dipaparkan? Simbol lain

biasa vanitas (Latin untuk "kekosongan" itu, khususnya kekosongan harta benda

duniawi dan pencapaian) adalah cawan yang terbalik atau mangkuk dan tengkorak.

• Jika gambar yang menunjukkan sekeping roti dan segelas wain mengapitnya pasu

bunga, boleh roti dan anggur itu mungkin menjadi simbol Ekaristi, gambar secara

keseluruhan mewakili kekal hidup dicapai melalui kasih karunia?

• Adakah terdapat satu perbezaan (dan penimbulan akibat rasa kesedihan) antara

inertness dan terkapar haiwan yang mati dan warna terang atau tekstur? Adakah kerja

mungkin juga mencadangkan, sebagai sebahagian daripada gambar Chardin ini arnab

mati lakukan, sesuatu yang dekat dengan peringatan penyaliban?

• Adakah semua allegorizing ini tidak relevan?

8

Apabila gambar adalah landskap, anda mungkin mahu untuk memulakan dengan

bertanya soalan-soalan berikut:

• Apakah hubungan antara manusia dan alam semula jadi? Adakah angka selesa

dalam alam semula jadi (contohnya, bangsawan berehat puas bawah oak yang besar

ini yang melambangkan kuasa purba mereka dan kehebatan) atau mereka tidak

mampu bersaing dengan ia? Adakah mereka atas bumi, di bawah kaki langit, atau

(kerana pandangan adalah rendah) yang mereka menonjol terhadap ufuk dan mungkin

kelihatan berhubung dengan langit, atau sekurang-kurangnya dengan udara terbuka?

• Adakah benda-benda semula jadi dalam landskap (contohnya, awan yg

menggelembung, atau awan gelap, atau pokok-pokok monggol, atau pokok-pokok

lapang) entah bagaimana mencerminkan emosi angka?

• Apakah landskap kata tentang masyarakat yang mana ia dibuat? Walaupun landskap

kelihatan realistik, ia juga boleh menyatakan kuasa politik atau rohani. Adakah ia,

misalnya, mendedahkan pandangan seorang bangsawan ini rajin, petani yang

membanting tulang berpakaian bahagia dalam masyarakat yang dgn murah hati

dipesan dapat disemak? Adakah ia-literal - meletakkan golongan miskin luar bandar di

bawah naungan, membiarkan orang-orang kaya mendapatkan cahaya? (Pandangan ini

dinyatakan dalam Yohanes Barrell, The Dark Side daripada Landscape: Golongan

Miskin Luar Bandar di Painting Inggeris, 1730-1840, 1980.)

Pendek kata, lukisan landskap bukan sahaja persembahan objektif bumi, batu, tumbuh-

tumbuhan hijau, air, dan langit. Artis yang membentangkan apa yang kini dikenali

sebagai pembinaan sosial alam - misalnya, alam semula jadi sebagai tempat yang

dibuat ramah oleh kebijaksanaan tuan-tuan tanah, atau alam semula jadi sebagai

sebahagian terancam warisan kami, atau alam semula jadi dunia yang kita telah hilang,

atau sifat sebagai tempat di mana jiwa letih boleh mendapat ketenangan dan khasiat.

(Untuk analisis menggunakan pendekatan kritikal baru-baru ini, lihat Mark Roskill,

Bahasa Landskap, 1996.)

Kami telah bercakap tentang subjek tertentu - lukisan angka, masih hidup, landskap -

tetapi soalan-soalan lain kebimbangan semua jenis lukisan dan lukisan. Adakah garis

kontur (garisan bentuk) kuat dan keras, mengasingkan setiap angka atau membantah?

Atau mereka yang tidak teratur, kurang jelas, menggabungkan mata pelajaran dengan

ruang yang lain? Adakah garis kelihatan (contohnya, dalam dakwat lukisan Asia)

kaligrafi - iaitu, ketebalan yang berbeza-beza yang mencadangkan kegembiraan atau

daya hidup - atau garis seragam dan tidak senonoh penjagaan teliti?

Apakah yang sederhana (bahan di mana artis bertindak) menyumbang? Untuk lukisan

yang dibuat dengan medium yang basah (contohnya, dakwat digunakan dengan pen,

atau mencuci digunakan dengan berus), apakah tahap penyerapan kertas

menyumbang? Adakah garis lebar seragam, atau adakah mereka kadang-kadang

membengkak dan kadang-kadang mengurangkan, sama ada secara tiba-tiba atau

secara beransur-ansur? (Quills dan keluli pen adalah lebih fleksibel daripada pen

buluh.) Bagi lukisan yang dibuat dengan sederhana kering (contohnya, Silverpoint,

arang, kapur, atau pensil), apakah kelancaran atau kekasaran kertas menyumbang?

(Apabila krayon digosok atas kertas bertekstur, bit persembahan kertas melalui,

suffusing gelap dengan cahaya, memberi kecergasan.) Dalam mana-mana, lukisan

dilaksanakan dengan sederhana yang kering, seperti grafit, akan berbeza daripada

lukisan dilaksanakan dengan yang basah sederhana, di mana gerakan instrumen boleh

diganggu untuk menambah dakwat atau cat.

Jika kerja adalah lukisan, adakah dalam tempera (pigmen larut dalam telur, Ketua

sederhana lukisan Eropah ke dalam abad kelima belas lewat), yang biasanya

mempunyai penampilan yang agak rata, kering? Oleh kerana strok berus tidak

menggabungkan, tempera cenderung untuk menghasilkan bentuk dengan tepi yang

tajam atau, kita mungkin mengatakan, kerana ia menekankan kontur ia cenderung

untuk menghasilkan lukisan berwarna. Atau lukisan yang dilakukan dengan cat minyak,

yang (kerana fius strok berus) adalah lebih sesuai daripada tempera untuk memberi

kesan cahaya disenyapkan dan tepi kabur? Lapisan nipis

9

lut Licau minyak berwarna boleh digunakan supaya cahaya yang melalui lapisan ini

mencerminkan dari warna tanah legap, menghasilkan, kesan berseri yang lembut; atau

cat minyak boleh diletakkan di atas banyak (impasto), memberikan kaya, penampilan

yang berair. Impasto boleh digunakan begitu tebal yang ia menonjol dari permukaan

dan menangkap cahaya. Cat minyak, yang meminjam dirinya untuk tidak sekata,

gestural, pengendalian bravura, dengan itu kadang-kadang dianggap lebih pelukis

daripada tempera, atau, untuk mengubah perkara itu, tempera kadang-kadang

dianggap meminjamkan sendiri kepada rawatan yang lebih linear.

Cina, Korea, dan Jepun lukisan dakwat juga menggambarkan sumbangan media.

Sebuah lukisan pada sutera biasanya sangat berbeza daripada lukisan di atas kertas.

Kerana sutera mentah menyerap dakwat dan pigmen, dengan itu mencairkan kekuatan

garis dan warna, sutera biasanya bersaiz (ditutup dengan sayu atau pengisi) untuk

menjadikannya kurang menyerap, sesungguhnya, licin. Jika berus yang bergerak

dengan pantas di permukaan bersaiz, ia boleh memecut daripada garisan yang patah,

jadi pelukis bekerja pada sutera biasanya meneruskan perlahan-lahan, teliti

mewujudkan imej. Pelukis yang ingin spontan, dinamik, atau kabur brushwork biasanya

tidak cat pada sutera tetapi di atas kertas.

Awas: semula di dalam buku biasanya gagal untuk menyampaikan tekstur strok berus.

Jika anda perlu bekerja dari semula, cuba untuk mencari sebuah buku yang

mengandungi butiran (bahagian-bahagian kecil daripada gambar), sebaik-baiknya

diperbesarkan.

Adalah warna (jika ada) meniru penampilan, atau ekspresif, atau kedua-duanya?

(Mengapa daging emas Buddha Mengapa Picasso menggunakan putih, kelabu, dan

kulit hitam untuk Guernica, sedangkan orang Sepanyol dihujani bandar Basque pada

hari yang cerah?) Bagaimanakah warna yang berkaitan - sebagai contoh, dengan

berani berbeza atau dengan peralihan secara beransur-ansur?

Nilai bahan pigmen - iaitu, kosnya - sendiri mungkin ekspresif. Sebagai contoh,

penggunaan mewah Velazquez ini warna biru laut biru mahal di Coronation beliau

Perawan itu sendiri melambangkan kepentingan subjek. Warna biru laut - "seberang

laut" - diperbuat daripada diimport lapis lazuli tanah, adalah lebih mahal daripada emas;

costliness adalah salah satu sebab mengapa, seperti emas, ia telah digunakan untuk

beberapa tokoh suci dalam lukisan agama zaman pertengahan, manakala pigmen bumi

biasa digunakan untuk tokoh bukan Ilahi.

Vincent van Gogh, bercakap tentang bekerja sendiri, berkata dia cuba "untuk

menyatakan perasaan kedua-dua kekasih dengan perkahwinan dua warna pelengkap,

campuran mereka dan pembangkang mereka, getaran misteri nada yang berdekatan

antara satu sama lain ... untuk menyatakan fikir di belakang dahi oleh seri nada yang

cerah terhadap tanah gelap. " Seperti petikan ini mungkin menunjukkan, komen pada

nilai ekspresif warna sering kelihatan sangat subjektif dan mungkin tidak meyakinkan.

Seorang cendekiawan, mengulas mengenai cecair hijau kekuningan dalam botol bulat

di sebelah kanan Manet ini Bar aux-Folies Bergeres, mencadangkan bahawa warna

minuman itu - mungkin Absinthe - adalah menindas. Seorang ulama kemudian

menunjukkan bahawa bentuk yang tersendiri botol menunjukkan bahawa minuman itu

adalah creme de Menthe, tidak Absinthe, dan oleh itu dia mendapati warna yang tidak

sama sekali mengganggu.

Awas: Ia sering berkata bahawa warna-warna cerah (merah, kuning, oren) tampil ke

hadapan dan menghasilkan rasa kegembiraan, manakala warna sejuk (biru, hijau) surut

dan mempunyai kesan menenangkan, tetapi eksperimen telah membuktikan tidak

meyakinkan; tindak balas kepada warna - walaupun klise tentang melihat merah atau

merasa biru - adalah sangat peribadi, sangat budaya, sangat berbeza-beza. Namun,

beberapa perkara boleh dikatakan, atau sekurang-kurangnya beberapa syarat boleh

ditakrifkan. Hue memberikan warna namanya - merah, jingga, kuning, hijau, biru, ungu.

Nilai (juga dikenali sebagai ringan atau kegelapan, kecerahan) merujuk kepada ringan

saudara atau kegelapan warna yang. Apabila putih ditambah, nilai menjadi "lebih

tinggi"; apabila hitam ditambah, nilai menjadi "lebih rendah." Nilai tertinggi yang

berwarna putih; yang

10

terendah adalah hitam. Kelabu mempunyai nilai yang lebih tinggi daripada kelabu

gelap. Ketepuan (juga dikenali sebagai keamatan warna) adalah kekuatan atau

kecerahan warna - satu merah adalah lebih merah daripada yang lain; salah kuning

pucat daripada yang lain. A warna terang adalah tepu yang tinggi; rona pucat adalah

tepu yang rendah. Tetapi ambil perhatian bahawa banyak dalam penampilan warna

bergantung kepada konteks. Berjajaran terhadap hijau, merah akan kelihatan lebih

merah daripada jika berjajaran terhadap oren. Tampalan kelabu dikelilingi oleh putih

kelihatan lebih gelap daripada naungan yang sama kelabu dikelilingi oleh hitam.

Apabila kita bersenjata dengan syarat-syarat ini, kita boleh berkata, sebagai contoh,

bahawa dalam Laut Selatan lukisannya Paul Gauguin digunakan warna pelengkap

(oren dan biru, kuning dan ungu, merah dan hijau, iaitu, warna yang apabila dicampur

menyerap hampir semua cahaya putih , menghasilkan warna kehitaman) pada nilai

tertinggi mereka, tetapi ia adalah sukar untuk mengatakan apa ini menambah sehingga.

(Gauguin sendiri berkata bahawa beliau menggunakan warna pelengkap adalah "sama

dengan dikir Oriental dinyanyikan dengan suara yang nyaring," tetapi boleh menyoal

sama ada analogi membantu.)

Kerana beberapa sebab saraf kami mungkin gagal apabila kita cuba untuk bercakap

tentang kesan warna. Contohnya:

• Cahaya dan kelembapan menyebabkan beberapa pigmen kepada perubahan selama

ini, dan varnis yang lazimnya digunakan untuk lukisan Master Lama tidak dapat tidak

kuning dengan usia, mengubah rupa asal.

• Warna-warna yang altarpiece zaman pertengahan diterangi oleh kelipan cahaya lilin

atau dengan kemasukan cahaya dari lut kekuningan (tidak telus) kaca atau kaca

berwarna gereja tidak boleh telah dilihat sebagai warna-warna yang kita lalui di muzium,

dan, begitu juga, lukisan van Gogh dilakukan pada siang hari yang terang tidak boleh

kelihatan untuk van Gogh kerana ia kelihatan kepada kami di dinding muzium.

Moral? Berhati-hati dalam bercakap tentang kesan warna. Perlu diingat kenyataan

daripada pelukis kontemporari Frank Stella:. "Analisis struktur adalah suatu perkara

yang menerangkan cara gambar dianjurkan analisis warna akan seolah-olah

menyatakan apa yang anda fikirkan warna yang melakukan Dan ia seolah-olah saya

bahawa anda lebih. mungkin untuk mendapatkan keluasan perjanjian biasa dalam

bekas. "

Apakah kesan cahaya di dalam gambar? Adakah alat ini menyebabkan kontras tajam,

terang menerangi beberapa bahagian dan membuang orang lain ke dalam kegelapan,

atau adakah ia, dengan cara penggredan lembut, menyatukan kebanyakan atau semua

bahagian-bahagian? Adakah cahaya kelihatan teater atau semula jadi, mengganggu

atau selesa? Adalah cahaya yang digunakan untuk membuat sorotan simbolik?

11

Jika ya, bagaimana? Jika tidak, mengapa tidak?

12

Arca

Jika ya, mengapa?

13

14

Mengapa?

Rajah.

Rajah.

Rajah.

15

Rajah.

Rajah.

Rajah.